🎞씨네아카이브 28. 삶과 죽음의 경계에서 생존을 그리다

1917, 샘 멘데스, 2019년 개봉

<1917>은 <아메리칸 뷰티>, <레볼루셔너리 로드>, <007 스카이폴> 등을 연출한 샘 멘데스 감독의 작품으로 1차 세계대전을 배경으로 하고 있습니다. 특히 역대 감독의 작품 중 최고의 작품으로 거론 메이저 조합 시상식에서 작품상을 휩쓸며 아카데미 유력 작품상 후보로 점쳐지기도 했어요. 그리고 제92회 아카데미에서 무려 10개 부문에 노미네이트되어 촬영상, 음향 효과상, 시각효과상을 수상했습니다. (그해 작품상은 <기생충>에게 돌아갔죠.😉

영화는 관객들에게도 호평받았는데요. 주인공들의 시점을 처음부터 끝까지 따라가며 이들이 처한 상황을 실제로 경험하는 듯한 느낌의 연출과 영상미가 돋보인다는 평이 많았습니다. 이는 영화의 시작부터 끝까지 마치 하나의 롱테이크로 연출된 것처럼 보이도록 하는 ‘원 커티뉴어스 쇼트(One Continuous Shot)’를 활용한 건데요. 감독은 관객들이 주인공들의 시점을 실시간으로 따라가며 실제로 체험하는 듯한 느낌을 받을 수 있게 하려고 의도적으로 선택한 방식이라고 밝히기도 했어요. 실제로 처음부터 끝까지 연속해서 촬영한 것은 아니고 몇 개의 롱테이크 쇼트를 자연스럽게 보이도록 연결하여 영화 전체가 하나의 롱테이크 처럼 보이도록 연출하는 기법으로 유심히 들여다보면 편집점을 알아챌 수 있긴 합니다.

장면을 나누어 찍은 후 하나의 장면으로 보이도록 이어 붙여야 하기 때문에 모든 것이 철저한 계획하에 이루어져야 하는 만큼 감독과 배우, 제작진들은 무려 4개월에 걸친 리허설 기간을 가졌다고 하는데요. 장면의 길이와 세트장의 길이, 배우들의 동작이 완벽하게 맞아떨어질 수 있도록 임시로 제작된 실내 세트장에서 모든 발걸음을 표시해 가면서 리허설을 진행, 실제 촬영에서는 대부분 장면을 오차 없이 완성했다고 해요. 제작 과정에서 가장 힘들었던 것은 조명으로 로저 디킨스 촬영 감독은 “배경이 대부분 야외라 조명을 통제하는 것이 쉽지 않아 자연광을 주로 활용하되, 촬영을 스토리 순으로 진행하면서 장면의 연결을 위해 늘 구름이 뒤덮인 하늘 아래에서 찍었다 ”라고 밝혔는데요. 날씨가 화창한 날에는 직사광선으로 생긴 그림자 때문에 촬영을 접고 리허설을 진행하다 완벽한 상황이 만들어졌을 때 다시 촬영하기도 했다고 합니다. 이렇게 철저한 계획과 준비 과정을 거친 덕분에 <1917>은 어디에서도 본 적 없는 영상을 구현하며 영화 기술의 새로운 장을 열었다고 평가받습니다.

영화는 ‘두 병사가 적진을 가로질러 메시지를 전달한다’라는 큰 줄기 아래 진행됩니다. 이는 감독의 할아버지이자 1차대전 참전용사인 알프레드 H. 멘데스의 경험담에서 영감을 얻었다고 합니다. 감독의 할아버지는 1차 대전 참전 당시 초소와 초소 사이를 오가며 메시지를 전하는 ‘메신저’로 선발되어 서부전선으로 가게 되었다고 해요. 그러나 경계가 뚜렷하지 않은 무인지대와 아군과 적군 모두에게 공격받을 가능성이 많은 지역을 지나며 매 순간 목숨을 걸어야 했다고 합니다. 샘 멘데스 감독은 “영화가 완전한 실화는 아니지만 몇몇 장면들은 할아버지가 함께 싸운 병사들의 이야기에서 출발했다”라고 밝히며, “이것이 당시 그들이 어떠한 일을 겪었는지, 어떠한 희생을 했는지, 그들 자신보다 더 위대한 어떤 것을 믿고 있었는지에 관한 이야기”라고 전했습니다.

<1917>은 출연 배우들도 쟁쟁한데요. 콜린 퍼스, 배네딕트 컴버배치, 마크 스트롱, 앤드류 스콧, 리처드 매든 등 영국을 대표하는 배우들이 대거 출연했습니다. 놀라운 것은 이들이 모두 단 몇 장면만 등장하는 조연이라는 거예요. 주연은 신예 배우 조지 맥케이가 맡아 극이 진행될수록 피폐 해져가는 모습을 잘 표현하며 호평받았습니다. 영화는 주인공들이 임무를 떠났을 때 누가 죽고 사는지를 관객들이 쉽게 알아채선 안 되기 때문에 무명에 가까운 배우를 주인공으로 캐스팅함으로써 영화의 핵심적인 사항을 관객들이 눈치채지 못하도록 하기 위한 의도가 반영된 것으로 보여요. 이에 더해 감독이 이야기하고자 했던 ‘무명의 용사’라는 주제와도 맞닿아 있는데요. “중요한 결정을 내리는 위치에 있는 역할은 유명 배우들이 연기하고, 실제 임무를 완수하는 역할은 무명의 배우가 연기함으로써 당시의 영웅들은 높은 지위의 장교들이 아닌 익명의 병사들이었다는 것을 표현”한 것이라고도 볼 수 있어요.

배우들의 경우 약 5개월 동안 전문적인 군사 훈련, 군인의 기본 덕목 등 다양한 교육을 받았다고 합니다. 1차 대전은 참호전이 주를 이뤘던 만큼 실제 참호에서 생활하는 법도 몸소 체험했다고 해요. 배우들의 생동감 넘치는 연기는 물론 영화의 생생함을 더하기 위해 로케이션 선별에도 공을 들였는데요. 실제 전투가 벌어졌던 지역에서의 촬영도 염두에 두었으나 아직 땅속에 탄약과 전사한 병사들이 묻혀 있는 경우도 있어 대신 스코틀랜드, 잉글랜드 북부, 옥스포드 등 영국 전역에서 촬영을 진행, 영화의 풍경에 다채로움을 더했습니다.

제 1차 세계대전이 한창인 1917년. 독일군에 의해 모든 통신망이 파괴된 상황에서 영국군 병사 스코필드와 블레이크에게 하나의 임무가 주어집니다. 함정에 빠진 영국군 부대의 수장 매켄지 중령에게 에린무어 장군의 공격 중지 명령을 전달하는 것. 스코필드와 블레이크는 1,600명의 아군과 블레이크의 형을 구하기 위해 전쟁터 한복판을 가로지르며 사투를 이어가는데요. 과연 두 사람은 무사히 임무를 완수할 수 있을까요?

영화는 시작부터 끝까지 주인공의 여정을 따라가며 그 속에 거대한 참호, 아군과 적군의 경계가 만들어 내는 긴장감 등 전쟁의 참상을 함께 담아냈습니다. 1914년에 발발하여 1918년에 종전된 1차 세계대전은 참호전의 양상을 띤 전쟁으로 알려져 있는데요. 전투로 사망한 병사의 숫자보다 참호 안에서 병으로 사망한 병사의 숫자가 더 많았을 만큼 지지부진하고 비참한 전쟁이기도 했습니다. 게다가 뚜렷한 선과 악이 나뉜 2차 대전과 달리 강대국들이 식민지 쟁탈을 놓고 벌인 전쟁이기도 합니다. 결국 제 1차 세계대전은 유럽이 식민지 쟁탈로 팽창하던 시기 후발주자였던 독일과 선발주자였던 영국, 프랑스 사이에서 제한된 식민지 자원을 놓고 벌인 제국주의적 성격을 띤 강대국들의 이익을 위한 명분 없는 전쟁에 가깝다고 할 수 있어요.

영화의 후반부에 흘러나오는 ‘I Am a Poor Wayfaring Stranger’라는 곡은 19세기 영국 민요이자 1차 대전 이후 영국군의 전시 가요로 불러진 곡이라고 하는데요. 가사가 담고 있는 의미도 그렇지만 감독이 그리고자 했던 ‘무명의 용사’들을 가장 잘 보여주는 장면이기도 합니다. 특히 구슬프게 울려 퍼지는 노래에 맞춰 전장에 나가기 직전의 병사들 얼굴을 하나하나 비춰주던 장면이 인상적이에요.

영화는 크게 두 개의 파트로 나뉘었다고 볼 수 있는데요. 그 기준점이 스코필드가 독일 저격수에 의해 기절했다 깨어나는 시점입니다. “스코필드가 정신을 잃었다가 깨어나는 것은 ‘죽음에서 삶으로 돌아오는 것’을 암시하는 것이기도 하며, 이 경험으로 그의 태도가 전반부와는 완전히 대비”됩니다. 전반부의 스코필드는 낙천적인 블레이크와 달리 시니컬한 모습을 보이지만, 이후에는 블레이크와 비슷한 태도를 보이며 변화하게 되거든요. 결국 주인공의 관점에서 보면 “냉소적인 스코필드가 낙관적인 전망을 잃지 않았던 블레이크처럼 변화해 잃어버린 희망을 회복하는 과정을 그린 이야기”라고도 볼 수 있습니다. 함께 임무를 떠난 2명의 주인공 중 실질적인 주인공이 스코필드인 이유는 실존주의적 개념과도 연관이 있다고 할 수 있는데요. 영화의 첫 장면에서 블레이크는 임무에 뽑혀야만 하는 분명한 이유가 있는 것으로 나옵니다. 지도를 잘 보고 그의 형이 임무 지에 있는 공적으로도 사적으로도 임무 수행의 뚜렷한 목적이 있는 사람이죠. 반면 스코필드는 운이 나빠(?) 블레이크의 임무에 동행하게 되는 것과 다름없는데요. 스코필드는 블레이크에게 왜 하필 본인을 선택했냐고 묻기도 합니다. 그러나 정작 끝까지 임무를 수행하게 되는 사람은 스코필드임을 보여주며 감독은 “부조리한 상황에서 내가 왜 임무를 수행해야 하는지 모르지만, 그 상황에 던져져 목숨을 걸고 싸워야만 하는 것이 인간이라고 이야기하며 ‘인간은 결국 현실에 던져진 존재’라는 것”을 스코필드를 통해서 보여주고 있습니다.

덩케르크 (Dunkirk), 크리스토퍼 놀란, 2017년 개봉

<덩케르크>는 2차 대전을 배경으로 한 크리스토퍼 놀란 감독의 영화입니다. 상공에서의 1시간, 해상에서의 하루, 지상에서의 일주일이 맞물리는 시점을 활용하여 여러 관점을 엮은 듯한 연출과 편집, 탁월한 영상미와 생생한 음향 효과 등이 어우러져 기존의 전쟁영화에서는 볼 수 없던 새로운 느낌의 전쟁 영화로서 돋보이는 점이 많은 작품이라고 할 수 있습니다. 특히 하늘, 바다, 지상에서의 세 시점을 교차편집하면서 번갈아 진행되는 스토리가 매끄럽게 이어지며 놀란이 ‘플롯의 마술사’임을 여실 없이 증명해 보인 작품이기도 합니다.

영화는 2차 대전 당시 덩케르크 해안에 고립된 병력을 영국 본토로 탈출시키는 작전인 ‘덩케르크 철수작전 (다이나모 작전)’을 다루고 있습니다. 공식 작전명인 ‘다이나모 작전’은 작전을 모의한 도버 성내 해군 지휘소의 방 이름에서 따왔다고 합니다. 덩케르크는 프랑스 북부 벨기에 접경 지역에 위치한 도시로 도버 해협과 맞닿아 있는데요. 2차 대전이 발발하고 얼마 지나지 않은 1940년 5월 연합군이 이곳에 9일간 고립되어 있었고, 이들을 구조하기 위해 8일간 이루어진 작전이 ‘덩케르크 철수작전’입니다. 연합군은 이 작전으로 30만여 명의 연합군 장병을 철수시키는 데 성공하며 훗날 반격을 위한 전력을 보존할 수 있었고, 당시 구출된 병력이 훗날 노르망디 상륙 작전에 상당수 동원되어 승전의 발판을 마련할 수 있었던 만큼 2차 세계대전 당시 가장 극적인 상황으로 평가받습니다. 덩케르크 철수 작전에는 영국 민간 선박도 자발적으로 참여했는데요. 실질적으로 민간 선박이 구해낸 병사의 수는 미미하지만, 당시 영국 국민에게는 자긍심을 일깨운 의미 있는 일로 여겨지며 지금까지 ‘덩케르크 스피릿(Dunkirk Spirit)’이라는 표현으로 ‘어려운 상황에 처한 사람들을 기꺼이 도와주려는 마음’을 표현하는 용어로 쓰이기도 합니다. (현대에 와서는 그 의미가 변한 부분도 있다고 보지만, 통상적으로는 어려운 상황에서 포기하지 않고 기꺼이 맞서는 태도를 포괄적으로 표현한다고 보시면 될 것 같습니다.🙂)

전쟁 영화를 극단적으로 표현하면 적군을 죽이는 것에서 쾌감을 얻는 장르라고 할 수 있지만, <덩케르크>는 아군을 살리는 데서 쾌감을 얻는 영화로서 기존의 전쟁 영화와 가장 큰 차이를 보입니다. 감독 스스로 “<덩케르크>는 전쟁 영화가 아니다”라고 이야기했을 만큼 영화는 그동안의 전쟁 영화가 다루는 주제와 차별화된 부분이 많아요. 특히 “위기에 처한 군인들을 구조하는 민간인과 각자 임무에 충실한 사람들을 비추며 인류애와 희망, 인간의 의지 등에 집중”하고 있어요. 실제로 영국인들에게 ‘다이나모 작전’이 어떤 정신으로 각인 되었는지(Dunkirk Spirit!)가 중요한 부분이기도 하고, 감독 역시 “덩케르크에서 일어난 사건은 인간 역사상 생존에 대한 대단히 중요한 사건 중 하나로 자유의 보전이며 배들의 항해가 시작됨으로써 생존의 가능성이 존재”했다고 이야기하며 전쟁에서 적을 무찌르는 것 못지않게 중요한 것이 ‘생존’임을 강조하기도 했습니다.

<덩케르크>는 앞서 소개한 <1917>과 마찬가지로 극을 이끌어가는 주요 인물들이 신예 배우입니다. 토미 역을 맡은 핀 화이트헤드의 경우 <덩케르크>가 영화 데뷔작으로 이전까지는 카페 아르바이트생이었다고 해요. 알렉스 역의 해리 스타일스의 경우 영국 보이밴드 원 디렉션의 멤버이자 가수로 유명한 상태였지만 유명세와 무관하게 일반 오디션을 통해 캐스팅되었으며 놀란 감독 역시 그가 유명 가수인 줄 몰랐다고 합니다.

전통적인 촬영 방식을 고수하는 크리스토퍼 놀란 감독의 지론은 <덩케르크>에도 그대로 적용되었는데요. 실제 사용했던 해군 함선을 공수하고, 민간 선박을 제작하는 것은 물론 당시 영국 왕립 공군에서 사용했던 전투기와 독일군이 사용하던 전투기를 그대로 재현해 냈습니다. 여기에 병사들의 전투복 형태부터 독일군이 선전용으로 하늘에 뿌리던 전단까지 실제와 흡사하게 제작했다고 합니다. <덩케르크>는 장르가 용인할 수 있는 시각적 효과를 위해 사실을 왜곡하지 않고 철저한 고증을 바탕으로 역사적 사실에 충실한 영화라고 할 수 있습니다.

놀란 감독은 “전쟁영화에서 다뤄지는 잔혹한 장면을 거의 배제해 관객들이 공포감에 눈을 돌리지 않고 스크린에 계속 몰입하면서 긴장감을 느끼도록 하는 것에 중점을 두었다”라고 밝혔는데요. 실제로 영화는 유혈 낭자한 참혹한 전장의 모습을 묘사한 부분이 거의 없습니다. 이는 전쟁 영화의 바이블로 불리는 <라이언 일병 구하기>와 대비되는 부분이기도 합니다. 감독은 영화를 만들기 전 제작팀과 함께 <라이언 일병 구하기>의 프린트를 얻어 단체 관람을 하고, 이를 기준점으로 놓고 <덩케르크>의 지향점을 고민했다고 하는데요. 전쟁영화가 ‘역사적 사건을 사실적으로 재현하고자 한다면 다큐멘터리적 관점에서 전장의 모습을 보여줄 것인지, 인상주의적 관점에서 전장의 현실을 담아낼 것인지 결정’해야 하는데요. “<라이언 일병 구하기>의 경우 처참한 현실을 사실적으로 다루면서도 전장에서 사라져 간 수많은 개인의 모습을 통해 인간애를 강조하는 방식이라고 할 수 있고,<덩케르크>는 다이나모 작전에 대한 묘사와 더불어 승리의 서사가 아니면서도 블록버스터급 스토리텔링이 가능해야 한다는 점을 함께 고민”했다고 합니다. (관객들 사이에서는 기존의 전쟁 영화가 그리는 방식과 달라서 좋았다는 의견과 달라서 지루했다는 의견이 갈리기도 했는데요. 개인적으로는 전자에 한 표 던지고 싶습니다.) <덩케르크>는 양차 세계대전을 소재로 한 영화 중 가장 높은 흥행스코어를 기록한 <라이언 일병 구하기>를 뛰어넘으며 ‘가장 흥행한 2차 세계대전 영화’ 타이틀을 거머쥐었다고 해요.😮

“우리는 해변에서 싸울 것이다. 우리는 상륙지에서 싸울 것이다. 우리는 들판에서 싸우고 시가에서도 싸울 것이다. 우리는 끝까지 싸울 것이다.” 보이지 않는 적에게 포위된 채 어디서 총알이 날아올지 모르는 위기의 일주일이 해변에서 벌어지는 동안 바다 위에서는 군인들의 탈출을 돕기 위해 배를 몰고 덩케르크로 항해하는 하루가 그려집니다. 그와 동시에 하늘에서는 적군의 전투기로부터 지상군 탈출을 엄호하는 임무를 받은 이들이 남은 연료로 비행이 가능한 한 시간 동안 필사의 노력을 다합니다.

놀람 감독은 <덩케르크>의 이야기 구조를 “플롯을 통해 현실의 시간을 재구성한 생존을 그린 드라마”라고 표현했는데요. 이를 육지에서 영국으로 철수하는 배를 기다리는 병사들의 일주일, 바다에서 병사들을 구하기 위해 배를 타고 가는 하루, 하늘에서 철수작전을 엄호하는 전투기들의 한 시간으로 나눠서 보여줍니다. 이 세 가지 시공간은 영화의 중반부까지는 각각 따로 보여지며 시간의 밀도 역시 모두 다르게 묘사됩니다. 공중에서는 제한된 시간을 연료 게이지를 통해 보여줌으로써 긴박함을 표현한다면, 반대로 육지에서는 빨리 배가 와서 철수하기를 바라는 병사들의 고립감과 절박함을 극대화해 묘사하는 방식인 거죠. 이렇게 서로 다르게 진행되던 육해공의 시공간은 후반부 한 지점에서 일치하게 되고 이 순간이 영화의 절정 역할을 해줍니다. 이는 ‘생존’이라는 영화의 주제와도 연관되었다고 볼 수 있는데요. 영화는 사람들이 생각하는 ‘구조하는 사람’과 ‘구조되는 사람’에 차이를 두지 않아요. 전자를 용기 있는 건장한 사람으로 그리지도, 후자를 패잔병이나 힘없는 사람으로 그리지도 않음으로써 ‘전쟁이라는 거대한 비극 앞에서 이 둘은 크게 다르지 않다’라는 것을 이야기하고 있습니다. 결국 영화는 “어떻게 함께 살아서 돌아갈 것인가를 이야기하며 모두가 하나의 공동체로서 살아서 돌아가는 생존”을 그려냅니다.

영화 전반에는 적군보다 아군의 공포가 두드러지는데요. 이는 전쟁이 결국 ‘공포와의 싸움’임을 보여주는 것이기도 합니다. 실질적으로 영화에서 독일군의 모습이 등장하는 장면도 극히 일부분으로 독일군은 마치 재난 영화에서 인간을 덮친 자연재해처럼 그려져요. 이동진 영화평론가님은 이를 두고 “<덩케르크>는 전쟁 영화이지만 재난 영화의 문법을 가진 작품”이라고 설명했는데요. 놀란 감독이 이러한 방식을 택한 것도 결국은 “자연재해와 같은 비인격적인 폭력 앞에서 함께 살아남으려는 공동체의 숭고한 지향력”을 담아내기 위함이었다고 할 수 있습니다.

발행인에게 <덩케르크>는 놀란 감독의 <인셉션>을 처음 보았을 때만큼이나 신선한 충격을 준 영화였습니다. 흔히 전쟁 영화에서 차용하는 사실적이고 참혹한 전투 장면이나 영웅 서사 없이도 ‘생존에 대한 의지와 사투’를 인상적으로 전달했기 때문인데요. 무엇보다 공동체로서의 생존을 전쟁 영화에서 다뤘다는 것이 놀라웠어요. 어쩌면 저도 알렉스처럼 전쟁에서 후퇴하는 것은 곧 패배라는 생각을 가지고 있었던 것 같아요. 그렇기에 영화 후반부 토미가 대독하던 처질의 연설 아래 그려진 엔딩 시쿼스는 영화를 보고 난 후에도 한동안 여운이 짙게 남았습니다. (무엇보다 파리어를 연기한 톰 하디 너무 멋있지 않나요?!🤭)

Epilogue

<1917>과 <덩케르크>는 각각 양차 대전을 배경으로 하는 것뿐만 아니라 삶과 죽음이 오가는 전쟁에서 각기 다른 방식으로 ‘생존’을 그리고 있다는 점이 인상적인데요. 이를 풀어나가는 방식이 기존의 전쟁 영화들과 차이점을 가진다는 것도 인상적입니다. <1917>은 ‘원 컨티뉴어스 쇼트’라는 연출 방식을 통해 전쟁 영화의 새로운 장을 열었다면, <덩케르크>는 정교하게 짜인 플롯을 바탕으로 전쟁 영화의 새로운 스토리텔링 방식을 보여준 작품이라 생각해요. 특히 두 작품 모두 무성영화가 아닐까 싶을 만큼 대사가 많지 않다는 점도 기억에 남습니다. (게다가 런닝 타임도 짧은 편이고요.) 

🎞 함께보면 좋은 추천 콘텐츠: <라이언 일병 구하기>, 스티븐 스필버그

<라이언 일병 구하기>는 ‘전쟁 영화의 교과서’로 불리는 20세기 불후의 명작 중 하나로 2차 세계대전을 배경으로 한 작품입니다. 톰 행크스가 주연을 맡았고 스티븐 스필버그가 연출했는데요. 스필버그 감독은 이 작품으로 두 번째 아카데미 감독상을 받았습니다. ‘전쟁 영화의 교과서’로 불리는 만큼 생생한 현장감을 살리기 위한 핸드헬드 촬영, 채도를 낮춘 색감, 사실적이면서도 방대한 규모의 전투 장면 등 이후에 나오게 될 전쟁 영화에 많은 영향을 주었습니다. 영화는 제목 그대로 ‘라이언 일병’을 무사히 집으로 돌려보내기까지 구출팀이 겪은 일을 작중 현재의 늙은 라이언이 회상하는 이야기입니다. 2차 대전 당시 미 육군에서 복무했던 병장이 모티브가 되었지만, 영화의 전반적인 부분은 모두 창작된 이야기인데요. 엔딩 장면에서 내레이션으로 흘러나오는 육군 참모 총장의 편지는 창작된 허구임을 알고 봐도 미국이라는 나라가 군인을 비롯하여 참전용사와 그의 가족들을 어떻게 대우하는지 암시적으로 보여주는 장면이라 특히 인상적이었어요. 전쟁 영화 특성상 참혹한 장면이 많지만 세기가 바뀐 지금까지도 많은 이들이 손꼽는 작품인 만큼 <1917>, <덩케르크>와 함께 보기 좋은 작품으로 추천해 드립니다.

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🔖 Reference (씨네아카이브 참고 자료 출처 표기방식)

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