🎞씨네아카이브 32. 종이와 스크린 사이

종이와 스크린 사이

문학 작품을 영화화할 때 가장 중요한 것은 각색인데요. 각색은 하나의 작품을 한 매체에서 다른 매체로 옮기는 과정을 말합니다. 소설을 영화화하거나 웹소설이나 웹툰을 드라마화하는 것처럼요. 문학 작품이 영상 매체로 옮겨지는 것뿐만 아니라 연극이나 뮤지컬과 같은 공연 예술로 재창조되는 경우도 있고, 연극이 원작인 작품을 영화로 만드는 경우(예. <왕의 남자>)도 있습니다. 안소니 홉킨스에게 아카데미 남우주연상을 안겨준 <더 파더>의 경우 소설을 연극 무대로, 다시 스크린으로 옮긴 작품으로 소설가, 연출자, 감독이 모두 동일 인물인 독특한 경우에 해당합니다. 각색은 단순히 원작의 이야기를 시나리오 형태로 바꾸는 것이 아니라 작품과 매체에 따라 원작의 배경, 인물, 플롯을 그대로 따라가기도 하고(예. <오만과 편견>, <레미제라블>, <노인을 위한 나라는 없다>, <다빈치 코드>, <해리 포터 시리즈> 등), 각색자의 해석에 따라 확장과 변형(예. <올드보이>)이 이루어지기도 하는데요. 중요한 것은 각색도 일종의 창조적인 영역으로 분류된다는 거예요. 영화제에서 각색상을 시상하는 데에는 이유가 있었던 거죠. 그리고 변형이 이루어진다 해도 큰 줄기가 뚜렷해야 각색이 매끄럽게 이루어질 수 있습니다.

레터를 준비하다 보니 리메이크와 각색은 구체적으로 어떻게 다른지 궁금해지더라고요.🤔 올해 안으로 원작보다 더 재미있는 리메이크 영화 특집에서 한번 다뤄보도록 하겠습니다. 사실 원작을 영화화한 작품이 방대하기 때문에 추천작 선정에 고민이 많았는데요. 제가 선택한 작품은 <스틸 앨리스>와 <원더>입니다. (선정 기준은 철저한 발행인 취향에 따른 선택임을 고백합니다.😅)

스틸 앨리스 (Still Alice), 리처드 글랫저, 2014년 개봉

<스틸 앨리스>는 리사 제노바의 동명 소설이 원작으로 아내, 엄마, 교수로서 행복한 삶을 살던 ‘앨리스’가 희귀성 알츠하이머로 기억을 잃어가면서도 온전한 자신으로 남기 위해 비극에 맞서는 이야기를 담고 있습니다. 원작은 하버드대 신경학 박사 출신의 작가가 자비로 출간한 소설로 책이 독자들의 입소문을 통해 알려지면서 2008년 브론테상을 수상하기도 했으며 이후에는 출판사를 통해 정식 출간하게 되었다고 해요. (독립출판의 가장 이상적인 사례!) 작가가 소설을 집필하게 된 데에는 사연이 숨어 있는데요. 신경학 박사 과정 중 알츠하이머에 걸린 여든 살 할머니의 소식을 접하고 할머니의 머릿속에서 일어나는 과정에 대한 궁금증과 병에 걸린 그녀의 마음을 이해하고 싶은 마음에서 소설을 쓰게 되었다고 합니다.

소설의 영화화에도 사연이 있습니다. 제작과 연출을 맡은 리차드 글랫저 감독이 발음 장애로 병원을 찾았다 루게릭을 선고받은 후 소설을 접하게 됐고, 주인공이 느끼는 두려움과 고독에 공감하며 영화로 만들 것을 결심하게 되었다고 합니다. 감독은 영화가 개봉한 이듬해 사망해 <스틸 앨리스>는 그의 유작으로 남았습니다.😔 감독은 영화 제작 단계부터 이미 손과 팔을 움직일 수 없게 되고, 스스로 먹거나 옷을 입는 것조차 불가능해지고 나중에는 대화를 나누는 것도 힘들었음에도 영화에 대한 열정을 잃지 않고 열정적으로 임하며 함께하는 배우, 스태프에게 귀감이 되었어요.

주인공 ‘앨리스’ 역은 줄리안 무어가 맡아 슬픔과 좌절로 고통스러운 와중에도 자신을 잃지 않기 위해 비극에 맞서는 인물을 완벽하게 표현하며 생애 최고의 연기라는 찬사와 함께 제87회 아카데미와 골든 글로브에서 여우주연상을 수상했는데요. 이로써 칸, 베니스, 베를린 3대 국제 영화제를 비롯해 아카데미까지 그랜드슬램을 달성한 유일한 여배우에 등극했다고 합니다.😲 줄리안 무어는 알츠하이머에 걸린 앨리스를 구체적으로 표현하기 위해 4개월 동안 관련 서적, 영화, 다큐멘터리를 섭렵하며 자료조사에 수고를 아끼지 않은 것은 물론 협회와 후원 단체를 찾아가 알츠하이머를 겪는 다양한 여성들과 대화를 나누며 인지능력 테스트를 직접 체험하기도 하는 등 완벽한 캐릭터 표현을 위해 심혈을 기울였다고 합니다. 캐릭터를 준비하는 과정을 통해 "우리는 알츠하이머를 앓고 있는 사람들에게서 본모습이 사라지고 있다 생각하지만 곁에서 그들을 지켜보며 깨달은 것은 변화하고 있지만 진짜 모습은 어떻게든 남아있다는 것이고 그 사실이 가장 큰 감동을 주었다"라고 밝히기도 했어요.

세 아이의 엄마, 사랑스러운 아내, 존경받는 교수로서 행복한 삶을 살던 앨리스는 어느 날 자신이 희귀성 알츠하이머에 걸렸다는 소식을 듣게 됩니다. 행복했던 추억, 사랑하는 사람들까지도 모두 잊어버리게 된다는 사실에 두려움을 느끼지만 그와 동시에 앞으로 남아 있는 시간 앞에서 온전한 자신으로 남기 위해 현실에 당당히 맞서기로 결심합니다. “지금이 내가 나 일 수 있는 마지막 시간”이라 생각하고 비극을 헤쳐나가는 앨리스의 마지막은 어떤 모습일까요?

누구보다 총명하고 언어를 사랑했던 언어학 교수 앨리스가 기억과 언어를 잃어가는 상황에서도 자신의 정체성을 지키기 위해 삶에 맞서는 과정은 보는 이들에게 뭉클함을 선사하는데요. 앨리스의 감정과 내면에 집중할 수 있었던 건 줄리안 무어의 표현력 덕분이기도 하지만 무엇보다 영화가 고통에 맞서고 있는 당사자에게 집중하고 있기 때문입니다. 기존의 알츠하이머를 소재로 한 영화들이 주변인들의 고통에 집중한다면 <스틸 앨리스>는 오롯이 주인공에게 집중하며 그녀에게 일어나는 변화를 보여줌으로써 우리가 가지고 있던 알츠하이머에 대한 관점을 바꿔 놓는데요. 영화의 제작 비하인드를 알고 나면 왜 영화가 이런 방식을 선택했는지 이해하게 될 수밖에 없습니다.

루게릭을 진단받고 비슷한 고통을 겪고 있던 감독은 관객들이 알츠하이머를 경험하는 듯한 느낌을 주기 위해 영화의 모든 신에 앨리스를 등장시키고 그녀의 관점에서 이야기를 진행합니다. 앨리스의 주변 인물들도 앨리스의 시선과 관점을 통해 그려지고 있어요. 이를 통해 관객들은 사람들이 쉽게 떠올리는 ‘고통’ 보다 당사자의 ‘변화’ 초점을 맞추고 그들을 이해할 수 있도록 도와주는 역할을 하는 것이라 생각해요. 결국 영화는 원작가가 소설을 집필하게 된 이유였던 ‘알츠하이머에 걸린 사람들의 머릿속에서는 어떤 일이 일어나고 그녀의 마음을 어떻게 이해해야 할까’라는 물음을 충실하게 따르고 있는 셈이기도 합니다.

기억을 잃어가는 앨리스의 슬픔, 자아의 상실 안에는 반대로 앨리스의 용기와 의연함 같은 것도 느껴지는데요. 무엇보다 앨리스는 좌절 상태에 머물러 있지 않고 제목 그대로 어떻게든 계속해서 자신이 사랑했던 사람들이 기억하는 앨리스(still Alice)로 남아 있으려 노력합니다. 그런 앨리스의 의지를 가장 잘 느낄 수 있었던 것이 그녀가 알츠하이머 학회에서 했던 연사였다고 생각해요. ‘세상의 일부가 되고, 예전의 나로 남아 있기 위해 애쓰고 있을 뿐’이라는 그녀의 이야기는 결코 좌절 속에 머물러 있지 않고 앞으로 걸어 나가겠다는 의지와 결연함이자 보통의 사람들과 같이 현실에 충실하고 싶은 알츠하이머 환자가 아닌 나 자신임을 보여주는 것 아닐까요.

원더 (Wonder), 스티븐 크보스키, 2017년 개봉

<원더>는 R.J. 팔라시오의 동명 소설을 원작으로 한 작품으로 선천적 얼굴 기형을 가지고 태어난 소년 어기의 성장담을 그렸습니다. 원작은 첫 출간 후 45개국에서 800만 이상의 독자들을 매료시키며 성공했는데요. 작가는 작품 속 어기와 비슷한 여자아이를 아이스크림 가게 앞에서 만났던 실제 경험을 바탕으로 소설을 집필하게 되었다고 합니다. 소설은 남들과 다른 외모로 태어난 소년이 건네는 친절과 그로 인해 변화하는 주변 사람들 그리고 세상을 각기 다른 등장인물의 시선에서 그려내며 유머와 감동까지 모두 잡았는데요. 개인적으로 영화와 원작을 모두 보시길 강력하게 추천하는 작품입니다!

영화는 개봉 당시 흥행작으로 예견되던 블록버스터 사이에서도 높은 성적을 거뒀는데요. 특히 영화를 감상한 셀럽들의 호평에 힘입어 장기 흥행에 성공, 1 억불에 달하는 흥행 수익을 거뒀다고 합니다. 영화의 흥행에는 배우와 제작진들의 역할이 큰데요. 주인공 ‘어기’ 역을 맡은 제이콥 트렘블레이는 촬영 기간 내내 보형물을 착용해야 하는 상황에서도 유머와 에너지를 잃지 않으며 촬영 현장을 이끌었다고 합니다. 여기에 언제나 아들에 대한 믿음과 사랑을 잃지 않는 엄마로 줄리아 로버츠가, 장난기 넘치는 유쾌한 아빠를 오웬 윌슨이 맡아 빈틈없는 연기력과 호흡을 보여주며 세상의 편견에 맞서는 유쾌한 가족을 완성시켰어요. 어기의 정확한 병명은 ‘트레처코린스 증후군(Treacher Collins Syndrom, TCS)으로 태어날 때부터 안면에 여러 기형이 나타나는 선천성 질환입니다. 극중에서 어기는 27번의 성형 수술을 견뎌낸 것으로 묘사되는데요. ‘어기’의 얼굴 분장은 캐릭터에 사실감을 더하며 그해 아카데미 분장에 노미네이트 되기도 했습니다.

연출을 맡은 스티븐 크보스키 감독은 원작에서 강조하는 '자신의 선택으로 달라질 수 있는 자신의 모습과 세상'에 집중하며 자칫 억지 감동으로 바뀔 수도 있었을 드라마를 유쾌함과 감동이 공존하는 드라마로 완성시켰는데요. 원작의 메시지와 감동을 훼손하지 않으면서 영상 매체의 특성을 적절하게 활용한 이상적인 각색을 보여주었다고 생각합니다. 여기에 우주 헬멧을 쓴 어기가 담긴 포스터, 언제나 사랑과 유머가 넘치는 어기네 집 등 영화 곳곳에 녹아있는 배경과 소품은 관객들의 온기를 한층 더 끌어올렸다고 할 수 있습니다.

누구보다 위트 있고 호기심 많은 어기. 하지만 남들과 다른 외모로 태어난 어기는 크리스마스 보다 얼굴을 감출 수 있는 할로윈을 더 좋아합니다. 10살이 된 아들에게 더 넓은 세상을 보여주고 싶은 엄마 이사벨과 아빠 네이트는 어기를 학교에 보낼 준비를 하고, 동생에 모든 것을 양보해 왔지만 누구보다 동생을 아끼고 사랑하는 비아도 어기의 첫걸음을 응원해 줍니다. 그렇게 가족이 세상의 전부였던 어기는 처음으로 헬멧을 벗고 낯선 세상에 첫발을 내딛지만, ‘남다른 외모’로 인한 사람들의 시선에 큰 상처를 받습니다. 그러나 27번의 성형 수술도 견뎌낸 어기는 다시 용기를 내고 어기의 주변 사람들도 조금씩 변하기 시작하는데요. 과연 어기의 발걸음이 가 닿은 세상은 어떤 모습일까요?

<원더>는 주인공 어기의 성장과 함께 주변사람들의 성장에도 초점을 맞추고 있는데요. 보통의 성장 서사는 주인공 한 사람에게만 집중되지만 영화는 주위 사람들에게도 시선을 맞추며 그들의 이야기를 들려줍니다. 독특한 방식이라 생각했는데 이는 영화가 소설의 플롯을 그대로 살려서 가져온 것이기도 합니다. 영화에서는 어기를 시작으로 어기의 누나 비아, 친구 잭 윌, 비아의 절친 미란다에게로 차례차례 시선을 옮겨가는데요. 소설에는 영화에서 조명하지 않았던 어기의 다른 친구들과 비아의 남자친구까지 더 많은 인물들의 관점이 묘사되어 있습니다. 중요한 것은 서사의 중심에는 언제나 어기가 있고 마치 어기라는 행성을 중심으로 어기의 주위를 도는 위성처럼 이야기 전체가 하나의 은하를 이루고 있다는 점입니다. 이는 ‘어기라는 개인의 성장에서 출발해 가족, 친구, 공동체로 영역을 확장하며 관객들이 다양한 관점을 토대로 인물들의 서사에 공감할 수 있도록 하는 역할’을 합니다.

소설의 플롯을 영리하게 활용한 것도 인상적이지만 <원더>를 좋아할 수밖에 없는 건 결국 영화와 원작이 내포하고있는 메시지의 힘이 가장 큰 것 같아요. '편견과 차별로 가득한 세상에서 용기 내어 자신을 마주하고, 타인에게 친절을 베풀면 조금씩 세상을 바꿀 수 있다’는 메시지요. ‘사람들에게 친절해야 할 뿐만 아니라 친절에는 연습이 필요하다’라고 생각하는 원작가는 도서 출간과 함께 ‘친절을 선택하라 (Choose Kind Movement)’ 캠페인으로 메시지를 이어나가고 있는데요. 작가는 “사람들이 기회가 있다면 옳은 일을 하고 싶어 한다고 믿는다. 그러나 우리가 막상 그런 상황에 놓이면 내면의 갈등과 맞서게 된다. 누구나 그럴 것이다. 그저 최선을 다해 맞서야 한다 ”라고 원작이 담고 있는 메시지에 대해 밝히기도 했습니다.

영화도 소설도 기억하고 싶은 문장들이 정말 많았는데요. 하나만 선택해야 한다면 어기의 담임 선생님이 매달 학생들에게 써주었던 문장 중 하나를 고르고 싶습니다. 우리가 매일 뉴스에서 보는 건 서로를 헐뜯고 미워하는 흉흉한 이야기들뿐이지만 세상에는 소리 없는 영웅과 좋은 사람들이 더 많다는 걸 믿고 싶거든요. 세상을 살다 보면 나의 선의가 때로는 선의로 되돌아오지 않는다는 것을 알게 되는 순간이 있습니다. 친절을 베풀면 어딘가에서 알아봐 줄 거라는 말을 온전히 믿을 수 없고 그렇게 생각하면 서글퍼지기도 해요. 그러나 소설과 영화가 궁극적으로 이야기하는 건 그럼에도 불구하고 다정함과 친절을 잃지 말라는 것 같았어요. 옳은 것과 친절함 중 친절을 고르라는 건 결국 친절을 베풀거나 베풂을 받거나 어떤 방식으로든 우리를 옳은 길로 나아가게 하는 힘을 가지고 있기 때문이 아닐까요.

Epilogue

영화를 통해 책의 세계에 입문한 이력(?)을 갖고 있는 관계로 영화를 보고 원작까지 읽게 된 작품이 꽤 됩니다. 저보다 더 깊이 있게 영화와 독서를 즐기는 분들과 비교하면 미미하지만, 책을 너무 안 읽어서 남몰래 부모님을 걱정시켰던 지라 지금의 성장만으로도 아주 큰 변화라고 할 수 있을 것 같아요. 원작이 있는 영화를 볼 때 얻는 즐거움 중 하나는 소설과 영화를 비교해 볼 수 있다는 점입니다. 경우에 따라 소설을 읽고 영화를 보거나, 영화를 보고 소설을 읽게 되는 경우도 있는데요. 전자는 ①책을 읽으며 상상했던 이미지를 영화와 비교해 보는 재미가 있더라고요. 책이나 영화 모두 보는 이에 따라 해석하는 방식이 다를 수 있기에 ②감독의 생각과 내 생각을 비교하는 과정에서 영화를 좀더 풍부하게 즐길 수 있는 것도 좋고요. 후자의 경우 영화에서 생략된 이야기나 세밀한 묘사를 통해 영화에서는 다루지 않았던 내러티브를 발견하는 과정이 독서에 더 몰입할 수 있도록 도와준다는 점을 장점으로 꼽고 싶습니다. 저는 특히 이 과정을 통해 책과 가까워질 수 있었어요.

🎞 함께보면 좋은 추천 콘텐츠: <엄청나게 시끄럽고 믿을 수 없게 가까운>, 스티븐 돌드리

조너선 사프란 포어의 동명 소설을 원작으로 한 <엄청나게 시끄럽고 믿을 수 없게 가까운>은 9.11 테러로 아버지를 잃은 소년이 아버지의 유품에서 발견한 단서를 따라 뉴욕을 탐험하며 만난 사람들을 통해 상실의 아픔을 극복하는 과정을 그리고 있는데요. ‘상실과 후회’라는 메시지 안에 9.11 희생자 가족의 이야기를 감동적으로 그려 그해 아카데미 작품상에 노미네이트 되기도 했습니다. 원작의 작가는 비극적 사건을 배경으로 9살 소년 오스카의 이야기를 통해 상실과 슬픔, 소통의 단절을 극복할 수 있다는 메시지를 전하며 좋은 평을 받았는데요. 주로 전기 영화를 만들어 온 스티븐 달드리가 연출을 맡아 원작을 각색했습니다. 드라마틱한 사건을 배경으로 하지만 영화는 차분함 유지하고 있어 오히려 더 몰입할 수 있었는데요. 원작 소설은 읽어보지 못했는데 재감상을 계기로 한 번 도전해 볼까 합니다.🤔 영화가 조금 정적이라 호불호는 갈리지만 소통의 단절을 극복하는 메시지는 현재에도 유의미한 이야기이기에 함께 보기 좋은 작품으로 추천합니다.

🔖 Reference (씨네아카이브 참고 자료 출처 표기방식)

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